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第29回:ビーバー/パッサカリア

 ステージ上に居るたった一人の演奏家の演奏と向き合う、というのは聴き手にとっても結構な緊張を強いられるものだと思います。たとえこっちが一方的に聴く側であるにしても、です。演奏家たった一人が作品と真正面から向き合って、ぶつかって、たった一人でその作品の楽譜に織り込まれているであろう音の拡がりをその会場いっぱいに改めて解き放っていかなければなりません。そして、その孤独な作業が招く緊張感であったり、結果的に生じる気迫といったものは奏される音に乗って、その場に居る全ての人の耳と心を等しく突き刺します。優れた演奏家ほど、その突き刺す威力は大きいのだと思います。多分、この感覚はピアノよりも弦楽器や管楽器の独奏に接した時の方がより強いのではないでしょうか。
 だから、例えばヨハン・ゼバスティアン・バッハ(1685~1750)の<無伴奏ヴァイオリンのためのソナタとパルティータ>であったり、<無伴奏チェロ組曲>を聴くのは、少なくとも僕にとっては気軽さは無いですね。でもその代わりに聴き終わった後に必ず訪れてくれる静かな、深い喜びのために。
 バッハの<無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第2番ニ短調BWV.1004>の最後に置かれた有名な<チャコーナ(シャコンヌ)>は、単に演奏に要する時間の長さ(12~16分)だけでなく、たった一挺のヴァイオリンでこんなにも美しい音空間を描き出せるのかという意味でも巨大な存在です。そしてバッハ自体の大きさ。本当に大好きな1曲です。その昔、ギドン・クレーメルがリサイタルで弾いた<チャコーナ>単独の演奏が凄かったことは今でも覚えています。
 さて、バッハの無伴奏作品が余りにも偉大な分だけ、特に彼以前の無伴奏作品にはまだまだ光がよくは当たっていないのではないかとつい思ってしまいます。まあ僕が不勉強なだけなのかも知れませんが。という流れでハインリヒ・イグナツ・ビーバー(1644~1704)の<パッサカリア>を。
 ビーバーはバッハからするとおじいさん世代にあたる音楽家で、ザルツブルクの宮廷楽長などを務めました。またビーバーは当時のオーストリアやドイツで最も優れたヴァイオリン奏者だったとも言われています。彼はさまざまな技巧を凝らした器楽作品を手掛けていますが、特にヴァイオリンにスコルダトゥーラと呼ばれる奏法をしばしば取り入れていることでも知られています。普通、ヴァイオリンは低い方の弦からG-D-A-E(ソ-レ-ラ-ミ)という音で、開放弦の時の音を調弦しますが、それを別の音に合わせることによって通常は弾きにくい音の組み合わせや繫がりを容易にすること、それをスコルダトゥーラと言います。特殊奏法という程では無いのかも知れませんが、とにかくヴァイオリンの表現力を高めるためのひとつの工夫であったことは確かです。
 さて、今回ご紹介しようとしている<パッサカリア>は、15曲のソナタ集と合わせて<ロザリオのソナタ>という、1676年頃に出版された聖母マリアの生涯の秘蹟を讃えた大きな曲集に含まれている曲です。ソナタの方は全てヴァイオリンと通奏低音のために書かれていますが、曲集の締めくくりに置かれた<パッサカリア>は無伴奏のヴァイオリン1挺だけで演奏されます。また、最初のソナタとこの<パッサカリア>は通常の調弦で扱われていますが、それ以外のソナタは全て異なる調弦が指定されています。
 前にマレの<聖ジュヌヴィエーヴ・デュ・モン教会の鐘>をご紹介した際に、ひとつの音型が何度も繰り返し続けて出てきて、その上にさまざまなフレーズを飛び交わせて行く音楽だ、という感じで書いたと思いますが、<パッサカリア>も基本的には同じようなつくりの音楽です。ただ、このビーバーの<パッサカリア>はそれを一人のヴァイオリン奏者だけでやるのです。荘重なテンポではあるにしても、少なくとも重音は当たり前になってきますし、フレーズと技術とがせめぎ合いながらもそれを音楽的な表現として整える必要もあります。8分の6拍子、ト短調。演奏時間にしておよそ9分前後。その間ずっとG-F-E-D(ソ-ファ-ミ-レ)という下行の音型が65回繰り返されます。
 色合い的にはモノトーンな音楽なのでしょうが、韻の踏み方がひたすら美しい詩のような清澄さが心を打つ音楽であると思えます。僕は残念ながら、祈りや信仰というものには縁の薄い人間ですが、ビーバーの<パッサカリア>にはそういった真摯さ(と、その美しさ)を感じずには居られません。 
 この<パッサカリア>がバッハの<チャコーナ>に直接影響を与えたかどうかは定かではありませんが、並べてみると少なくとも音楽的には近しい関係があるように見えると思います。そういう視点のCDとして寺神戸亮が2003年に録音した<シャコンヌへの道>(Denon/コロムビア)というアルバムはとても素晴らしいですね。ビーバーの他にも17世紀に生まれた無伴奏ヴァイオリンのための作品ばかりを集め、そして最後にバッハの<チャコーナ(シャコンヌ)>を置いており、まさにタイトルどおりのアルバムになっています。単に資料的な側面だけでなく、様式や時代精神の繫がりを明らかにしているという意味合いでも重要なアルバムだと思います。
 それから<ロザリオのソナタ>全曲だと、僕はジョン・ホロウェイ(ヴァイオリン)、デヴィット・モロニー(チェンバロ)にトラジコメディアが通奏低音として加わっているVirgin盤を聴いています。
f0306605_048277.jpgf0306605_0482297.jpg(左:寺神戸盤、右:ホロウェイ盤)
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by ohayashi71 | 2014-10-25 00:49 | 本編

第28回:ボロディン/交響曲第2番ロ短調

 アレクサンドル・ボロディン(1833~87)の曲、と言った時、最初に挙げられるのは何でしょうね。
 未完に終わった歌劇<イーゴリ公>に含まれている<ダッタン人の踊り>や<ダッタン人の合唱>なのかも知れませんし、交響詩<中央アジアの草原にて>なのかも知れません。どちらにしても親しみやすいエキゾチックな雰囲気が非常に魅力的な音楽だと思います。
 と、ここまでがありふれた前フリ。
 ではまずボロディンの生きた時代のことから。
 学校の音楽の授業のレヴェルだとボロディンは「ロシア5人組」の一人として紹介されます。5人、と書いたら他の4人についても一応。指導的立場にあったミリー・バラキレフ(1837~1910)、<展覧会の絵>のモデスト・ムソルグスキー(1839~81)、<シェエラザード>のリムスキー=コルサコフ(1844~1908)、それとセザール・キュイ(1835~1918)の4人です。まあバラキレフやキュイの曲は日頃あんまり聴く機会は無いと思いますけれど。しかし実際には「5人組」と一括りにしてしまえる程、5人ともずっと同じ方角を向いて音楽を書いていた訳ではありません。確かに、西欧の亜流とは違うロシアの民族的要素に根ざした音楽の創作を目指してはいたのでしょうが、その距離感の違いが実際の作品を聴いていくとかなり現われていることは分かると思います。ムソルグスキーとリムスキー=コルサコフの作品についてはまた改めて触れるつもりですが、この2人の代表作を並べてみるだけでも随分違います。
 それから「5人組」とは一線を画す位置に居たのがピョートル・チャイコフスキー(1840~93)。彼はバラキレフとも交流はありましたが、当時のロシアではチャイコフスキーの音楽は「西欧風」と看做されることもあったようです。今ではちょっと想像しがたいことですけれど。とにかくこのように作曲家名を列挙していくと当時のロシア音楽界の勢いが分かると思います。
 さてボロディンについて。彼の生前の本業は音楽ではなくて化学の研究者の仕事でした。しかも彼は研究者としても一流だったそうで、その多忙さのせいで十分に音楽活動を行うための時間を作れませんでした。なので、ボロディンが遺した作品の数は決して多くはありませんし、<イーゴリ公>や交響曲第3番のように未完成のままになってしまった作品もあります。
 ボロディンの音楽は、メランコリックさよりも大らかさの方が表に立った豊かな叙情性に裏打ちされた美しい旋律と、中央アジア系の音楽にも通じるような生気溢れる勇壮さが、簡潔な構成の中にバランス良く盛り込まれているように思います。
 その意味で僕が彼の代表作として挙げたいのが交響曲第2番ロ短調です。1877年の初演では必ずしも好評ではなかったようですが、その後の演奏で成功を収めています。4つの楽章から成りますが、いちばんインパクトが強いのは第1楽章の第1主題でしょう。「H-H-C-E-Dis-H-D-H(シ-シ-ド-ミ-レ♯-シ-レ-シ)」というクセの強い音の並びが、「タ-タ-タ-タ-タ-タ-タッ-ター」というこれまた独特なリズムで奏されるのです。美しい第2主題も素晴らしいのですが、第1楽章全体でしつこいぐらいに繰り返される第1主題の印象の強さと言ったら! 後にこの第1主題はフランスのモーリス・ラヴェル(1875~1937)たちのお気に入りになって、彼らの芸術グループのテーマソングにもなったそうです(ドアのノックのリズムがこれだったとか)。
 情緒の連綿とした移り変わりであったり、心理ドラマとしての交響曲ではなくて、民族的な生のエネルギーを交響曲という「器」に収めてみたらこうなりました、という感じの音楽と言っても良いのかも知れません。この作りは、ロシアで言えば後のアラム・ハチャトゥリアン(1903~78)の交響曲(3曲あって、これがなかなか面白いのですよ!)に通じるようにも思います。
 さてCD。豪胆さと叙情性を、テンポ、リズムの扱い、響きといった要素の中でバランスよく描くというのは意外に難しそうです。僕の愛聴盤はアルメニア出身の指揮者、ロリス・チェクナヴォリアンが1977年にナショナル・フィルを振ったもの(RCA/BMGビクター)。勢いという意味で面白かったのはカルロス・クライバーとシュトゥトガルト放送響の1972年ライヴ(Hänssler)、重量感で言えばキリル・コンドラシンとアムステルダム・コンセルトヘボウ管の1980年ライヴ(Philips/ユニバーサル)というところでしょうか。
 ところでこの交響曲と並んでボロディンの代表作として知られている弦楽四重奏曲第2番ニ長調という作品がありますが、こちらは叙情と旋律美が魅力的なもの。今度(10月18日(土))冨士屋さんである<クァルテット・エクセルシオ>の演奏会で取り上げられるそうなので、機会のある方は是非。
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(左からチェクナヴォリアン盤、クライバー盤、コンドラシン盤)
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by ohayashi71 | 2014-10-01 01:10 | 本編


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