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第38回:ハイドン/交響曲第82番ハ長調 Hob.I-82「熊」

 そう言えばの話。
 私たちは何気なく「交響曲」という単語を使っているわけですが、よくよく考えてみると、ドイツ語でSinphonie、イタリア語でSinfonia、英語でSymphonyという言葉をよく日本語で「交響曲」という訳をあてたよなあと思ったりするのです。「響き」を「交わす」、という状態はもちろん大概の音楽に当てはまるはずですが、このSinphonieというジャンルを特に「交響曲」と呼ぶことにしたのは、実際の音楽のイメージからすると実にピッタリくるように思えます。で、因みに調べてみると「交響曲」という訳語を作ったのはかの森鷗外(1862~1922)なのだそうです。なるほど、鷗外はドイツ留学中にかなり音楽会や舞台公演を観ていたようなので、その実体験が名訳を生んだのでしょう。
 さて、交響曲の起源は17世紀に遡るのですが、現在演奏会で多く取り上げられているのは18世紀以降の作品です。そしていろいろな作曲家が試行錯誤を重ねていく中で、現在に繋がる交響曲の基本形を確立したとされているのが100曲以上の交響曲を遺したヨーゼフ・ハイドン(1732~1809)です。ハイドンが最初の交響曲を書いたのが1750年代で、最後の交響曲を書いたのが1795年ですから、彼は交響曲というジャンルに40年間ぐらいは向かい合い続けたことになります。
 音楽の教科書なんかでは『ハイドンの代表作:交響曲「告別」「驚がく」「軍隊」「時計」』という感じで記されていたように思います(大昔には「さよなら」とか「びっくり」とか書かれていたこともありますが)。確かにそう並べられるのは分からないではない。ただ、もしハイドンをもう少し深く聴く機会があるのであれば、やはりもう少し突っ込んだ接し方はしておきたいところです。要は、ハイドンの交響曲が40年間書き続けられたことを思い出すなら、その間にスタイルの変化があったことを理解しておくべき、ということです。
 例えば「告別」(因みにハイドンの交響曲の愛称は大概彼自身の「名付け」によるものではありません)。嬰ヘ短調という調性、徐々にオーケストラのパートが減っていく終楽章の作りと、それらを含めたドラマティックな表現などは、ハイドンの実験精神の表れと言えるでしょう。しかもそれは何も「告別」に限ったことではなくて、その時期(1770年前後)に書かれた彼の交響曲にはしばしばこうした実験的な表現が見受けられます。これらは同時代の文学運動の呼び名から「シュトゥルム・ウント・ドラング(疾風怒濤)」の作品と扱われています。
 一方、「驚がく(驚愕)」「軍隊」「時計」といった交響曲は、いずれもハイドンが1790年代に入って手がけたもので、ハイドンのロンドン公演を計画した興行師(今でいうところのプロモーター)ペーター・ザロモンの依頼で書かれたものです。6曲+6曲の12曲が書かれたこの「ザロモン・セット(あるいはロンドン・セット)」は、彼の交響曲創作の集大成とも言うべき存在です。これらは4つの楽章相互のバランスの良さと「職人技」とも言うべき動機展開のスリルが含まれている上に、更に前述のような実験精神をもにじませた交響曲群であり、まさに「巨匠の風格と余裕」を感じさせてくれます。
 では「シュトゥルム・ウント・ドラング」と「ザロモン・セット」の間の交響曲は? それは形式と構成、更に管弦楽編成の安定化を進める流れで作られていったものであるように思えます。その意味で「ザロモン・セット」の12曲の交響曲は、僕は「完成形の向こう側」にまで達した存在だと考えています。とすると、ハイドンの交響曲の「完成形」はどの辺の曲か。それは1780年代の半ばに書かれた「パリ・セット」と呼ばれる6曲の交響曲(第82番~第87番)ではないでしょうか。
実は、僕が初めてハイドンの交響曲の面白さ、素晴らしさを実感出来たのは交響曲第82番ハ長調Hob.I-82に演奏会で接した時でした。それは往年の名ヴァイオリニストであり、指揮者としても活躍したシモン・ゴールドベルク(1909~93)の最晩年の演奏会でのことです。指揮のゴールドベルクはもちろんですが、管弦楽を見事に引き締める響きを打ち出すティンパニが全曲を通じてまた素晴らしかった。
 序奏なし(この曲の場合「助走なし」と言っても良い)で、いきなり一気に駆け上げる第1主題と、続いて現れる「タタタッタッタン」というリズム、コンパクトで優美な第2主題を中心にしたソナタ形式の第1楽章の生命力に満ちた華々しさに僕はまず感激しました。
 急速な第1楽章から一転して、伸びやかさの中に時おり明暗のコントラストもしっかりと描き出している変奏曲の第2楽章や落ち着いたメヌエットの第3楽章も良かったのですが、やはりフィナーレの第4楽章。ヴィヴァ―チェの4分の2拍子で、低弦が前打音(h=シ)と二分音符(c=ド)の半音上がるパターンで弾き出すのですが、この響きが「熊の唸り声のようだ」と当時思う人は思ったらしく、そこからこの交響曲の愛称は「熊」と呼ばれています。で、急速なテンポとこのワクワクとさせるような出だしの第4楽章は。豪快かつ爽快な楽章で、切れ味抜群の音楽。
 このゴールドベルクの名演のイメージが僕には強過ぎるのですが、それでもディスクを挙げるとすればまずはブルーノ・ヴァイル指揮のターフェルムジーク・バロック管弦楽団(Sony)ですね。圧倒的な躍動感と節度ある表現とのバランスが高度に絶妙な演奏。あとはアダム・フィッシャー指揮のオーストリア=ハンガリー・ハイドン管弦楽団(Nimbus)。少し野暮ったさもありますが、優れた演奏だと思います。やり過ぎなぐらいにやっちゃっているのはトーマス・ファイ指揮のハイデルベルク交響楽団(Hanssler)。この上なく強烈に刺激的な演奏です。ということで、とりあえず重厚長大的なアプローチでは、鮮やかに「響き」を「交わす」音楽であるハイドンの真価にはなかなか触れづらいように僕には思えるのです。

f0306605_21452093.jpgf0306605_21453835.jpgf0306605_21475499.jpg(左からヴァイル盤、フィッシャー盤、ファイ盤)
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by ohayashi71 | 2015-06-15 21:49 | 本編 | Comments(0)

第37回:リゲティ/ハンガリアン・ロック

 あくまでも一般的に、という前提で言うのであれば、ピアノに比べるとチェンバロは馴染みが薄い楽器だろうと思います。でもたまたまなことですが、僕がこれまで関わった文化施設のうち、いくつかは備品としてチェンバロを所蔵していました。で、せっかくあるのだからそれを使った企画をやりましょう、という流れにもなりました。それで僕も何度かチェンバロに関わる企画を担当しました。普通にリサイタルもやりましたが、東京からチェンバロの製作工房の方を招いて楽器の仕組みを紹介するレクチャーを開催したこともあります。当然のことながら、そういうリサイタル等の実演の場面で演奏される曲目としては、チェンバロが最も華々しかった時代の音楽、例えばバッハ、スカルラッティ、ラモー、クープラン、といったバロック期やそれ以前の作曲家によるものが多かったように思います。
 確かにチェンバロはその後ピアノにその位置を取って代わられてしまいましたが、だからと言ってチェンバロのための新しい音楽が全く生まれなかった訳ではありません。20世紀になると、ピアノ(打弦楽器)とはまた異なるその独特な音色(撥弦楽器)を活かした作品も現われました。今回はそういう曲のことを。
 ハンガリー出身の作曲家、ジョルジ・リゲティ(1923~2006)は20世紀後半を代表する作曲家の一人です。彼はその創作活動の中でさまざまな書法を用いていますが、例えば半音以下の微分音まで使って奏でる音の塊による「トーン・クラスター(音の房)」、あるいはポリリズム、ミニマルといった表現による作品があります。面白く(もちろんマジメに)聴ける作品としては、特に「トーン・クラスター」の代表例と言える、そしてスタンリー・キューブリックの映画<2001年宇宙の旅>で使われたことでも知られている<アトモスフェール>(この映画ではリヒャルト・シュトラウスの交響詩<ツァラトゥストラはこう語った>の冒頭部分の方が圧倒的に有名でしょうが)は是非耳にしていただきたい音楽です。クラウディオ・アバドが行った現代音楽のシリーズ、「ウィーン・モデルン」の中で<アトモスフェール>をウィーン・フィルとやった演奏(DG)や、ジョナサン・ノット/ベルリン・フィルによる演奏(Teldec)などのディスクがあります。因みにレナード・バーンスタイン/ニューヨーク・フィル(Sony)や小澤征爾/読売日本響(ビクター/Tower)のディスクもありますが、ここでは置いときます。
 さて、チェンバロに話を戻します。リゲティには3曲のチェンバロのための曲があります。1968年に書かれた<コンティヌム>はチェンバロによるトーン・クラスター作品で、なかなか圧巻。でも僕がそれ以上によく聴いているのは1978年に書かれた<ハンガリアン・ロック>です。
 この曲は副題として「シャコンヌ」と記されており、そのとおり、速いテンポの8分の9拍子で左手で奏される4小節のフレーズが40回以上繰り返されます。しかも8分の9拍子ではありますが、1小節の中の割り振りとしては「2+2+3+2」になっており、要は「3+3+3」よりも複雑なリズムパターンを持っています。そして、右手は最初こそ1小節単位であったり、「2+2+3+2」に嵌るようなフレーズ(ハンガリー民謡風な)を放り込んできますが、次第に小節をまたぐようなフレーズの連続になったり、9拍子と並行して7拍子を当てていったりと、さながら音の洪水のような状態になっていくのです。それをチェンバロのあの音色でやるのですから(ピアノの、ある意味における自在さや明快さで無いことが重要なのですが)、聴き手は圧倒されてしまいます。チェンバロでここまで出来るのか、という意味で。最後はテンポを緩めてふーっと消えていくのですが、とても濃い5分間です。
 僕は<ハンガリアン・ロック>を冒頭に書いたチェンバロ企画の中で出来ないかな、と企んだことはありますが、残念ながら実現しませんでした。で、もしこの曲を聴いてみたいという方におススメするとすれば、この曲の初演者でリゲティから献呈されているエリザベト・ホイナツカのディスク(Erato/ワーナー)でどうぞ。と、言いたいところですが、これはちょっと入手が難しいかも。ホイナツカにはもう一つ別の録音(リゲティの鍵盤作品をまとめたもの/Sony)もありますが、僕はErato盤を愛聴しています。他にも何種類かディスクはありますが、リサイタルのライヴ録音として出ているマハン・エスファハニ(Wigmore Hall Live )を聴くといかに大変な曲か分かるはずです。またチェンバロからは外れてしまいますが、リゲティの作品をいろいろな自動演奏楽器で演奏したものをまとめている、まあマニアックなディスク(Sony)が出ており(愛聴盤ですが(笑))、そこで<ハンガリアン・ロック>はバレル・オルガンで演奏されています。遊園地とかにありそうな手回しのオルガンでやってみると、この曲はますます不思議な感じになり、それがまた面白かったりします。
 おまけ。ホイナツカは現代音楽におけるチェンバロ作品演奏の第一人者ですが、意外に皆さんが彼女の演奏を聴いたことのありそうなものとして、ギドン・クレーメルの名盤<ピアソラへのオマージュ(Hommage A Piazzolla)>(Nonesuch)を挙げておきます。その中の<ブエノスアイレス午前零時>に出てくるチェンバロのひんやりとした味わいと言ったら。

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by ohayashi71 | 2015-06-04 00:10 | 本編 | Comments(0)


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