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第44回:ラハナー/<秋> 作品30

 多分これまでの中では最もマイナーな作曲家のことを。
 フランツ・パウル・ラハナー(Franz Paul Lachner/1803~90)はウィーンやミュンヘンなどで活躍したドイツの作曲家、指揮者です。僕は彼の曲については今回取り上げる歌曲<秋>の他にせいぜい数曲程度しか聴いていません。今回改めて彼の他の作品も少し聴いてはみましたが、ちゃんとした音楽だなあ、とは思いはするものの、率直なところそれ以上に掘り下げるべきという気にはなっていません。とりあえず今のところは。
 とは言え、僕たちが普段聴いているような「名曲」が実は圧倒的な存在であり、その陰に隠れてしまっている「佳曲」がたくさんあることもまた確かなことです。その意味で今回のラハナーの<秋>はそうした「佳曲」のひとつではあるだろうと僕は思っています。
 ラハナーは20代の頃にウィーンでフランツ・シューベルト(1797~1828)と深い親交を結んでいました。シューベルトとその仲間や信奉者たちが集う「シューベルティアーデ」のメンバーの一人であり、シューベルトが死の病に臥している時も付き添っていたそうです。そんなラハナーですから作曲活動にあたってシューベルトの音楽からも大きな影響を受けたであろうことは想像に難くないところです。
 さて、今回ご紹介するラハナーの<秋>は1831年に出版された歌曲ですが、独唱とピアノ、それにホルンあるいはチェロのための作品として書かれています。歌曲は独唱とピアノのための音楽、というイメージが一般的でしょうが、こういうピアノ以外の楽器が助奏として加わるように書かれている作品もあります。実はシューベルトもこういう助奏楽器を加えた歌曲を彼の最後の年、1828年に遺しています。彼のほぼ最後の作品となった<岩の上の羊飼い>D.965ではクラリネット、またその前に書かれた<流れの上で>D.943ではホルンあるいはチェロを助奏としています。ピアノ・パートだけでも充実した内容を歌曲に盛り込んできたシューベルトですが、更に他の楽器を加えるようにしたのは、詩に含まれている世界を音楽として表現するにあたり、歌(と言葉)を邪魔しない程度に、寄り添うかたちで色合いを少し豊かにしようとしたのではないでしょうか。
 ラハナーがこれらのシューベルトの助奏付きの歌曲の演奏に直接触れていたのは間違いないと思われます。そうして自らの歌曲表現のひとつの在り方として、助奏楽器付きという形態を自分でも試みたのでしょう。ラハナーは200曲以上の歌曲を遺しましたが、助奏楽器付きの歌曲も<秋>の他にいくつか作曲しています。
 <秋>はルードヴィヒ・レルシュターブ(1799~1860)の詩によるもので、実はシューベルトも1828年に歌曲として曲を付けています(D.945/助奏楽器はありません)。詩は、秋の冷え冷えとした情景と失われていく希望や恋について述べられており、ちょうど<冬の旅>の景色にも近いものとも言えるでしょう。シューベルトの<秋>は重々しく、厳粛にこの世界を描いています。
 一方でラハナーの<秋>作品30は、ホルン(あるいはチェロ)の助奏を加え、シューベルトの突き詰めるような暗さではなく、もっとメランコリックな心象風景として描き出しているように思います。甘さがあるのかもしれません。しかし、それは人肌の温もりとも言えるものかもしれません。そしてその温かみを生み出しているのは、僕はホルンの響きであるように思います。ですから、単に独唱とピアノだけで書かれていたら正直物足りなかったかもしれません。
 僕がラハナーの<秋>を知ったのはソプラノのジョーン・サザーランドがリチャード・ボニングのピアノ、バリー・タックウェルのホルンで1987年に録音した<Romantic Trios for Soprano, Horn and Piano>(Decca)というディスクでした。このアルバム、全曲がソプラノ、ホルンとピアノによる歌曲で、ラハナー(<秋>を含めて3曲)の他にベルリオーズやドニゼッティ、マスネなどの歌曲を集めたものでした。聴いた最初からピンとは来なかったのですが、何度か聴くうちに最初に書いたような「佳曲」があることに気が付いた、という訳です。中でもラハナーの<秋>は結構お気に入りの曲になりました。とは言え、演奏としては少しユルいかなあ、と思っています。特にサザーランドの声に年齢を感じてしまう、というのが正直なところです。とは言えコンセプトとしてはとても素敵なアルバムではあると思っているのですが。
 他にラハナーの<秋>を収めたものとしては、アリオン・トリオというアンサンブル(ソプラノ、ホルン、ピアノ)が<Schubert & Co>というアルバム(ANTES EDITION)でラハナー、ハインリヒ・プロッホ(1809~78)、シューベルトのホルン助奏付きの歌曲ばかりを収録しています。こちらも最上とは言い切れないところはありますが、十分に楽しめるものだと思います。

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by ohayashi71 | 2015-10-17 00:38 | 本編

第43回:ムソルグスキー/展覧会の絵

 モデスト・ムソルグスキー(1839~81)の作品で、僕が最初に出会ったのは多分<はげ山の一夜>ではなかったかと。しかし<はげ山の一夜>について語り出すと長くなるのでまたいずれ。
 で、今回はムソルグスキーのもうひとつの代表作である<展覧会の絵>のことを。
 ご承知のとおり、ムソルグスキーの<展覧会の絵>はピアノ曲として書かれましたが、ラヴェルの管弦楽版をはじめ、多くの音楽家がさまざまな楽器編成による編曲を世に送り出しています。そうした編曲版の中ではラヴェルのものが群を抜いて面白いとは思いますし、耳にする機会も多いと思います。
 ただ、名作の白黒映画に彩色の加工をしてカラー映画に仕立て直したものが、元のものと同じか、あるいはそれ以上の感銘を与えてくれるかどうか、です。白黒には白黒なりの雄弁さと美しさがあるものと僕は思っています。その意味で、<展覧会の絵>はやはりムソルグスキーのピアノ曲だけであって、他の版とは完全に別物として捉えるべきではないかと。
 もともとムソルグスキーは1874年に友人で画家・建築家だったヴィクトル・ハルトマンの遺作展を観た印象をベースに<展覧会の絵>を書き上げています。ここでムソルグスキーはピアノの響きを選びました。とにかく演奏前提としてだったのか、管弦楽という編成を含め他の楽器の響きを必要と思わなかったのか、そこは分かりません。ただ、彼としては一気呵成に(数週間と言われています)この曲を書き上げた、またその後、彼が亡くなるまでの間に全く<展覧会の絵>については改めて手を付けることが無かった、ということからすると、彼の中ではピアノで十分であり、それ以外の選択肢は無かったのかも知れません。
第2曲<古城>で示される哀愁や孤独さ、第4曲<ビドロ(牛車)>の引き摺るような重苦しさ、重い足取り、第7曲<リモージュの市場>の朗らかな軽さ、第8曲<カタコンベ>の怖れを含む厳しさと静寂、第9曲<バーバ・ヤガーの小屋>の奇怪かつユーモアもある派手な描きよう、荘重なコラールを挟みつつ教会の鐘が打ち鳴らされるような圧倒的な輝きで閉じられる終曲<キエフの大門>という感じで、曲ごとの振り幅や方向性の大きな違いをピアノ1台でよくも描き切ったなあ、と思う次第です。更に曲のつくりについて言えば、冒頭から曲中で繰り返し現れる<プロムナード>が、単に場繋ぎとして挟まれるのではなく、直前あるいは直後の曲の世界に寄り添うような存在としても扱われており、結果<展覧会の絵>全曲の統一感を出す大きな役割を果たしています。少し極端なことを言えば、これはシューマンの連作風あるいは組曲風ないくつかのピアノ作品の延長線上に置いてみても良いのではないかとも思います。まあ、それぞれだいぶ向いている方角は違うのですが。
 こういったもろもろを踏まえてのディスクのこと。
 上述したとおり、僕はピアノ版で<展覧会の絵>は完結出来るものだと思っていますが、そのピアノでそれでもなお管弦楽的な色彩やダイナミズムを追求したピアニストが居ます。ウラディーミル・ホロヴィッツです。どこかに書いたことがあるかも知れませんが、僕はホロヴィッツは「芸」と「芸術」に二股かけて、それを「超」が付くぐらいのハイ・レヴェルで成し遂げた稀有の存在だと考えています(因みに僕は同じ位置付けにヴァイオリンのヤッシャ・ハイフェッツを置いています)。それは技術的な冴えが見え辛くなった彼の晩年であっても変わらなかったと思います。ただし、<展覧会の絵>の録音(1951年ライヴ:RCA/BMG)については彼の壮年期のものであり、技術的にもキレキレの頃の彼の「芸」と「芸術」に触れることが出来ます。<古城>のような曲では極端に繊細な弾きぶりを見せたかと思うと、動きの多い曲になるとムソルグスキーの楽譜に無い装飾的なフレーズを付けてみたり、元の音の動きをわざわざ動きの多いフレーズに変えてみたりと、演奏効果絶大の派手なアレンジが施されています。ですから、これは「ホロヴィッツ版」とか「ホロヴィッツ編曲」というただし書きが必要なシロモノではあります。ラヴェル版をはじめ他の編曲版を下げておいてホロヴィッツを挙げるのは本当はイケないことなのですが、ここまで面白くなってしまうのであればアリだろうと思います。まあ、古き良き時代、ヴィルトゥオーゾの時代の名残ということで。
 ホロヴィッツの変化球ぶりに比肩し得るド直球の演奏としては、まずはやはりスヴャトスラフ・リヒテルでしょう。リヒテルもまた晩年と若い頃では印象の異なる演奏家ですが、余計な色目を使わずに真正面からバリバリと弾いていくさまは圧巻です。リヒテルも何種類かの録音が出ていますが、最も有名なものは1958年、ブルガリアのソフィアでのライヴ録音です(Philips/ユニバーサル)。最初の方はそこまでの名演なのかとつい思ってしまうのですが、聴き進むにつれて、その響きの強さや鳴らし切る凄みに圧倒されます。特に<バーバ・ヤガーの小屋>から<キエフの大門>にかけて。
 <展覧会の絵>の古くからの名盤としてはこの2つ、リヒテルとホロヴィッツがよく挙げられてきました。これらがもちろん今でも聴かれるべき存在であることには変わりませんが、以降にも優れた録音はいくつもあります。
 例えば、ピアノ音楽の表現としての隙の無さ、バランスの良さという点でエフゲニー・キーシン(2001年:RCA/BMG)は大変素晴らしいですし、内向的に、そして丹念に曲を描き分けたイーヴォ・ポゴレリチ(1995年:DG/ユニバーサル)の深い抉りも、非常に聴き応えがあります。
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by ohayashi71 | 2015-10-12 01:16 | 本編

第42回:レスピーギ/交響詩<ローマの噴水>

 何きっかけだかを覚えてはいないのですが、オットリーノ・レスピーギ(1879~1936)の「ローマ三部作」と呼ばれる3つの交響詩(<ローマの噴水><ローマの松><ローマの祭>)は中学生だか高校生の頃にはレコードを買って聴いていました。ガイド本で必ず挙げられているアルトゥーロ・トスカニーニ/NBC交響楽団(RCA)の演奏のLPでした。
 その頃は<松>と<祭>をよく聴いていたように思います。特に<祭>の第4部の<主顕祭>のノリノリの熱狂ぶりが楽しかったですね。その後、大学のオケに入って、高校時代に吹奏楽部を経験した連中の話を聞くと、やはり<祭>のそれが好きなヤツが何人も居ました。コンクールとかで実際に演奏したり、聴いたり、ということがあったらしいです(もちろん編曲ですけれど)。
 ところが、歳を取ってくると<松>や<祭>の熱が少々鬱陶しく思えてくるようになりました(少なくとも僕にとってはですよ)。楽しいと言えば楽しいですし、当然立派な作品だと思うことに変わりはありませんが、手応えというか聴き応えというか、盛り上がり自体は楽しめても、そういうものがスルッと抜けていってしまうような気になってきた、と言った方が良いのでしょうか。決して<松>や<祭>の面白さをdisっている訳ではありませんよ。
 とにかく、その分、ということでも無いのでしょうが、今の僕には<ローマの噴水>がとても「いい感じ」に思えています。<噴水>は、「夜明けのジュリアの谷の噴水」「朝のトリトーネの噴水」「昼のトレヴィの噴水」「黄昏のメディチの噴水」という4つの部分から出来ており、時間の経過とそれぞれの場所の情景なり、そこからレスピーギが膨らませたイメージなりを音楽で描いた作品です。音楽の流れ的には静かに始まり、動きが示されて、更にその動きが大きくなり、最後は再び静けさの中に帰る、といったところでしょうか。
 「夜明け」や「黄昏」の静かな美しさも素晴らしいと思いますが、「朝」の盛り上がりが一段落してから、改めて立ち上がってどんどん高みを目指して突き進んでいく「昼」の壮麗さが今の僕にはグッときます。ドビュッシーの精緻さや精妙さを尽くした表現よりも、レスピーギはもっと直感的にオーケストラの響きから得られる快楽を追求しているのかも知れませんが、音楽における「お楽しみ」という要素もまた欠くべからざるものだと思います。
 さて、そんな<ローマの噴水>について、僕は未だにトスカニーニの演奏(1951年録音)が繰り広げる攻めのドラマは圧倒的だと思っていますし愛聴盤ではあるのですが、やはりモノラル録音は白黒映画みたいなものですから、レスピーギの色彩をもきちんと伝えてくれるステレオ録音も当然のことながら聴きたいところです。ということで、挙げておきたいのは1959年録音のフリッツ・ライナー指揮のシカゴ交響楽団の演奏(RCA)と1984年録音のリッカルド・ムーティ指揮のフィラデルフィア管弦楽団の演奏(EMI/ワーナー)です。
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(左からトスカニーニ盤、ライナー盤、ムーティ盤)
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by ohayashi71 | 2015-10-07 00:00 | 本編


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